Com os conhecimentos que temos atualmente não e possível dizer com certeza onde, quando e como a musica surgiu, mas podemos intuir que há milhares de anos a musica tenha se desenvolvido como um meio para coordenar e sincronizar o movimento humano coletivo, tais como caça ou agricultura, possivelmente. Vejam que mesmo hoje em dia e natural começar a cantar uma música rítmica para acompanhar a atividade de um grupo de pessoas, como em caminhadas na natureza ou em um encontro com amigos…

Presumivelmente, aqueles que se destacavam como cantores podem ter alcançado um status social importante (como xamãs, talvez). Mais tarde, com instrumentos de percussão desenvolvidos para acompanhar a música, percussionistas individuais também surgiram. Em seguida, novos tipos de instrumentos, não só de percussão, surgiram e outras habilidades ajudaram a destacar outros artistas.

Em alguns momentos históricos das civilizações, a música solo foi “criada” para admiração dos melhores cantores e instrumentistas. É bastante provável que, inicialmente, os seus desempenhos foram principalmente para o aristocracia e eram puramente musicais, para deleite artístico daqueles que detinham mais meios e conhecimento.

Depois houve a mescla entre a “música solo” e “poesia solo” para entreter a aristocracia , e mais tarde direcionada as massas, e ai com a utilização de histórias com as quais pessoas estavam familiarizadas. Durante a era clássica do teatro grego, essas histórias se tornaram mais abstratas e metafóricas, e a música tornou-se menos simples. O Cristianismo se inclinou ainda mais para o uso da música para cantar os louvores do Senhor e para chamar os fiéis à oração. A música, basicamente, tornou-se o veículo para uma mensagem. A mensagem (mesmo quando era um épico) não era apenas uma história, mas um sistema ideológico todo. Em algum momento as pessoas comuns começaram a criar músicas para seu próprio consumo, as canções “populares”, mais “proximas” da realidade delas – essas músicas não eram sobre heróis ou Deus, mas sobre as alegrias e tristezas da vida diária, que era em grande parte uma vida “rural”.

A música para a aristocracia tornou-se mais e mais sofisticada, inclusive porque podiam comprar os melhores instrumentos no mercado e porque poderia contratar os melhores cantores e instrumentistas do reino. Ela chegou a ser chamado de música “clássica” e através da invenção da polifonia, reduziu consideravelmente a ênfase no ritmo, que chegou a ser considerado um elemento bastante primitivo e “plebean” (popular, pobre). Fazendo um caminho inverso, na música popular, que dependia fortemente de “ritmo” (rhythm) tanto para dançar e para cantar este tornou-se, em certo sentido, o principal discriminante entre a música clássica e popular.

Essa era a situação quando a música européia (ambos: clássico e popular) chegou às Américas. No caldeirão das Américas, os europeus foram forçados a admitir pela primeira vez que havia muitos tipos de musica diferentes da música deles. Enquanto o instinto racial foi a de separar (preservar) as formas musicais da Europa Ocidental (e os anglo-saxões, em particular) a partir dos outros, era apenas uma questão de tempo.

O confronto mais traumático para os europeus foi a existência de música Africana. Longo descartada como uma raridade do reino animal (muito parecido com os sons dos animais), a música Africana conseguiu coexistir durante dois séculos ao lado de música europeia antes de fazer incursões na sociedade americana branca. Durante o século 19 vários elementos da música Africana começaram a se infiltrar na música “folk” branca.

Mais uma vez, o ritmo foi o fator discriminante chave, porque mesmo sabendo que o “Rhythm” não foi uma invenção Africana, a polirritmia africana era absolutamente diferente dos ritmos lineares da música folk europeia. O efeito da música Africana quase nem foi sentido, inicialmente, mas estava para se tornar o principal combustível de inovação. Na verdade a música popular dos europeus mal tinha mudado ao longo dos séculos mas iria mudar drasticamente, com alterações acontecendo (e cada vez mais rápido) desde que a música Africana-Americana passou a influenciá-la. A fusão de música folk europeu com a música popular Africana foi a mais importante fonte de inovação para a música no mundo ocidental após o Ars Nova. O status da música clássica européia permaneceu um pouco estranho, e havia uma recusa firme e decidida em aceitar a música Africana (ainda considerada como uma forma de expressão de animais inferiores) e toda a sua descendência mulata. Assim, a diferença entre música clássica e popular aumentou dramaticamente durante o século 19 até os anos sessenta.

Música Negra: a perspectiva Africana – a música varia em toda a África muito mais do que na Europa porque nenhuma cultura musical passou a dominar e se espalhou por todo o continente. Decorre dai uma diferença fundamental, já que a maioria dos escravos “negociados” com as Américas veio da África Ocidental, onde a música era completamente diferente da música de outras partes da África. A forma como a musica na África se desenvolveu foi também muito diferente da forma como a música europeia tinha se desenvolvido desde os tempos gregos, levando obviamente a diferentes desdobramentos.

Inicialmente, os colonos europeus da América do Norte não tinham intenção nenhuma de converter os escravos ao cristianismo: o fato de que os escravos eram “pagãos” foi apenas um item a mais, a justificativa moral para a escravidão. Eles não eram “cristãos”, e naqueles dias ser “cristão” significava ser “humano”. Pessoas que não eram “cristãos” eram seres inferiores. Reduzindo e simplificando o raciocínio: a escravidão foi justificada porque era um meio para salvar os (escravos) pagãos da condenação certa. Por este motivo a conversão dos pagãos lentamente tornou-se não apenas bem-vinda mas sim obrigatória. A escravidão passou a ser visto (em algumas localidades fanaticamente religiosas) como uma cruzada para salvar almas.

As musicas dos escravos: os “spirituals” (Hinos espirituais) foram a primeira forma original da música criada pelos escravos da América do Norte. Importante notar que o desenvolvimento dos Spirituals “negro” pegou velocidade quando os primeiros pregadores negros começaram a praticar, porque o tipo de interação ate então existente entre o pregador e sua audiência, que era simplesmente de “chamada e resposta”, passou a ser uma interação musical. Pelo fato dos negros eram segregados dos brancos, eles tinham que seus próprios pregadores (muitas vezes próprios escravos), que iriam pregar a um público apenas de negros. Na década de 1750 pregadores negros já eram onipresentes e congregações negras foram formados a partir da década de 1770.

Teoricamente, a guerra civil que terminou em 1865 libertou os escravos africanos, e, de fato, a primeira coleção de canções negras foi publicado pouco depois, canções dos escravos dos Estados Unidos (1867). Na prática, ele fez pouco para melhorar as condições de vidas dos negros: mesmo trabalho, a mesma discriminação. Mesmo para os negros que deixaram os estados do Sul, as cidades do Norte prometeram liberdade, mas na maior parte entregaram um tipo diferente de escravidão. Por outro lado, o fim da escravidão significou, em alguma medida, a dissolução dos dois pontos de encontro tradicionais para a comunidade Africano: a plantação e da igreja.

A música continua a ser o principal veículo para desabafar a frustração de um povo, mas o fim da escravidão introduziu o individual: em vez de ser definido por um grupo (os fiéis ou os trabalhadores), o cantor negro agora estava livre para definir-se como um indivíduo. Suas palavras e humor ainda ecoava a condição de todo um povo, mas os cantores solo representaram uma nova visão sobre esta condição, a visão de um homem que finalmente podia viajar / explorar / conhecer, e não mais um prisioneiro de sua comunidade, embora, às vezes, mais solitário. Agora as músicas de uma pessoa negra podiam ser o diário “de sua própria vida” (estrada, trem, prisão, saloon, sexo), muitas vezes uma vida itinerante, ao contrário do diário “de uma comunidade”.

Cantores solo precisavam de instrumentos. O banjo, um instrumento Africano (“banhjour”), veio a bordo dos navios. A guitarra e gaita foram adotados dos brancos. Eventualmente, a guitarra veio a ser a segunda “voz” dos Bluesman. Em vez de abordar uma audiência em uma igreja ou plantação, e interagindo com ela, o cantor agora estava interagindo com sua guitarra. O Blues tornou-se um diálogo entre um ser humano e sua guitarra. Os “cantores” negros itinerantes da época da Reconstrução, armados com uma guitarra, adaptaram as canções dos gritos para o formato de narrativa das baladas folk britânicas (por exemplo, John Henry).

Embora eles fossem semelhantes no tom, a diferença entre a música popular dos negros e a dos brancos era profunda. Ambos eram realistas no sentido de fazer referencias ao dia a dia, mas a música popular branca criava “épicos” de eventos comuns, enquanto o “Blues” foi quase brutal em sua descrição da vida real.

A paisagem mostrada do Blues era uma prisão (Midnight Special) e estradas poeirentas. “Amor” passou a ser referenciado apenas como “sexo”, e não uma emoção romântica. A morte era um fato da vida, nu e cru, e não mais um passo para a vida eterna. Por outro lado, a qualidade existencial da música no Blues foi muito mais forte. O Blues era, antes de tudo, um estado de espírito. Não importa o quao direta ou indiretamente, morte e sexo em última análise, remetem a prisões e salões, que por sua vez remetem a pobreza e a miséria.

O materialismo do Blues não era auto-glorificação, mas auto-piedade. Com o Blues se compartilhava, fundamentalmente, a sensação de um destino inevitável (individual e coletivo). O “elemento fundamental” do Blues sempre foi a dor, mas na arte do blues, muitas vezes essa dor muitas vezes era mostrada (ou misturada) lado a lado com a alegria, não a alegria gratuita do humor fácil, mas a alegria de viver.

Originalmente, a música negra foi concebida como música para os negros somente – não apenas ignorados, mas muitas vezes desprezados pela comunidade branca. O movimento demográfico decorrente do boom econômico que se seguiu a reconstrução após a guerra civil ajudou a “exportar” músicos negros e suas músicas para as cidades brancas. Desse modo algumas das paredes culturais entre as duas comunidades começaram a ser derrubadas.

Aconteceu também de alguns artistas brancos começarem a reproduzir as musicas dos negros e a fazer releituras de musicas causando ate uma certa estranheza porque os termos (o vocabulário) usados pelos negros eram bem diferentes e ate ofensivos para os (mais conservadores) ouvidos brancos. Sem nenhuma duvida, os elementos que mais ultrajavam as orelhas brancas eram a obscenidade das letras e os movimentos indecentes. O sexo era o tema dominante das baladas “negras”, e as letras eram muitas vezes explícitas. Cantores negros gostavam de se gabar de suas performances sexuais.

Como o Blues passou a ser foi ouvido e “consumido” por pessoas brancas, tornou-se mais consciente de seu próprio significado. Foi também necessário, de alguma forma, “esconder” certos sentidos (por exemplo, sexual) que não eram compatíveis com os valores da sociedade branca. Assim, os Bluesmen desenvolveram no espetáculo o “double talk” (duplo sentido) para enfrentar temas que as pessoas brancas evitavam. O Blues se tornou mais metafórico e alegórico (Bollweavil Blues, Stewball, Uncle Rabbitt, The Grey Goose).

Os primeiros locais “disponíveis” para a música negra foram os “shows de medicina”, uma mostra itinerante de variedades que acompanhava os “doutores” em sua busca por clientes (voces já viram isso em filmes). Os “médicos” usavam ​​músicos negros, atores e dançarinos como entretenimento barato para juntar / cativar uma audiência e assim vender seus produtos. Eventualmente, a “medicina espetáculo” tornou-se uma arte em si, em que se visitava vários municípios e até mesmo estados, e muitas vezes acrescida de mágicos, acrobatas, etc. No ano de 1907, em Memphis, foi criado o primeiro teatro permanente para os “shows de medicina” foi criado por Fred Barrasso. Isto levou à formação do T.O.B.A. (“Theater Owners Booking Association”), uma rede de casas especializadas em shows executados por “negros”. Esses artistas negros, abusados e mal pagos por seus empregadores foram os primeiros animadores profissionais negros.

Os shows de menestréis, embora dirigidos por artistas brancos, começaram a contratar alguns cantores negros após a Guerra Civil e depois de um tempo apresentava principalmente negros. John Isham (produtor, branco) organizou a primeira “revue” itinerante (basicamente, um show de menestrel melhor organizado) “, a “Jack Creole Burlesque Company”, em 1890. Um desses shows excursionou pela Europa em 1897. Essas apresentações mantinham um formato de três partes (esquete de abertura, atos solo e final), mas foram, para todos os efeitos práticos, um “show de variedades” com orquestras e coros.

O desenvolvimento urbano da música negra no século 20 deveu muito às “cidades pecado” do Sul: Nova Orleans, Kansas City e Memphis. Seus bares, clubes, prostíbulos, barcos a vapor e shows de rua permitiram a sobrevivência de inúmeros músicos negros que migraram do campo.

New Orleans, na foz do rio Mississippi, a antiga cidade francesa que tinha exibido uma opulência amoral antes da Guerra Civil, era um caldeirão sem igual no sul (negros, italianos, caribenhos, a francófona crioulos brancos e negros , nativos americanos, mexicanos e descendentes dos europeus). Seu porto era uma fonte infinita de intercâmbios culturais com o resto do mundo. Como a maioria dos portos marítimos, New Orleans ostentava uma animada vida nocturna da prostituição, jogos de azar e de entretenimento

Kansas City tinha experimentado a sua primeira onda de imigrantes negros após as disputadas eleições presidenciais de 1877, que, basicamente, matou todas as esperanças restantes de integração preta sincera no Sul. Os negros de estados como Louisiana e Mississippi emigraram aos milhares para lugares mais tolerantes, como Kansas City. Durante o reinado corrupto de Tom Pendergast (a partir de 1925 até 1939, quando ele foi condenado por evasão fiscal), os clubes ilegais de Kansas City floresceu, zombando praticamente a “proibição” de álcool (1920-1933). A indústria crescendo de álcool e jogos de azar acabou por ser uma mina de ouro para os músicos negros, que se tornou a espinha dorsal da máquina de entretenimento.

Memphis, um porto fluvial importante no Mississipi e um nó ferroviário importante entre Nova York e Chicago, fez ricos pela indústria de algodão, era o elo natural entre o rural do Sul e do Norte industrial. Memphis era frequentemente o primeiro passo no caminho para fora das plantações para os negros que queriam migrar para o norte. Muitos deles acabou tocando ou cantando em Beale Street, o centro da vida noturna. Quando nylon substituído algodão, Memphis começou a decair, e os negros se juntou a migração em massa no sentido de Chicago, a próxima parada importante na estrada de ferro.

Diferentes “tipos” de Blues

African blues
Blues rock
Blues shouter
British blues
Canadian blues
Chicago blues
Classic female blues
Contemporary R&B
Country blues
Delta blues
Detroit blues
Electric blues
Gospel blues
Hill country blues
Hokum blues
Jump blues
Kansas City blues
Louisiana blues
Memphis blues
Piedmont blues
Punk blues
Rhythm and blues
Soul blues
St. Louis blues
Swamp blues
Texas blues
West Coast blues